Guía de panorámica y amplitud estéreo

Guía de panorámica y amplitud estéreo

¿Quieres crear pistas potentes y envolventes que envuelvan al oyente con un sonido profundo y detallado? El secreto es una imagen estéreo amplia. Pero colocar simplemente los instrumentos a izquierda y derecha no crearán el efecto deseado. En su lugar, deberás colocar cuidadosamente los instrumentos en todo el espectro estéreo y utilizar algunos plugins para ayudar a mejorar la ilusión.

En este artículo aprenderás cómo crear una imagen estéreo equilibrada en cualquier canción y así crear paisajes sonoros envolventes.
Además, al final de este artículo encontrarás ejemplos de canciones famosas en varios estilos y cómo sus productores han decidido colocar los instrumentos en el campo estéreo y sus frecuencias fundamentales en el espectro de sonido.
Ejemplos de pop, rock, rap, electrónica, house, funky …
Pero primero, hablemos de cómo nuestros oídos perciben el sonido estéreo.

¿Qué es la imagen estéreo?

La imagen estéreo es la ubicación espacial percibida de las fuentes de sonido dentro de una pista. Es esencialmente la «habitación» en la que se reproduce la pista. Algunas habitaciones suenan pequeñas y apagadas. Otras habitaciones suenan grandes y reverberantes.

Cada instrumento ocupa espacio en la habitación, dependiendo de la posición del panorama, la respuesta de frecuencia y el nivel general. El tamaño de la sala se define por la cantidad de reverberación o delay/retardo en cada pista, lo que ayuda a tu oído a identificar qué tan cerca de las «paredes» de la sala está cada instrumento.

Sin embargo, la música existe en un espacio tridimensional lo que significa que existen múltiples factores que contribuyen a la imagen estéreo de una pista.

El ANCHO es la distancia percibida entre los sonidos en los altavoces izquierdo y derecho. Es la dimensión más fácil de manipular y se controla mediante las perillas de panorámica en cada pista. Esto representa las «paredes izquierda y derecha» de la mezcla.

ancho de la mezcla

La PROFUNDIDAD es la distancia percibida entre el oyente y la «pared trasera» de la mezcla. Se controla mediante niveles de volumen, reverberación y otros efectos basados en el tiempo.

La ALTURA es la distancia percibida desde la parte superior hasta la parte inferior de la pista. Representa el «piso y el techo» de la mezcla, con las frecuencias bajas percibidas como más cercanas al suelo y las frecuencias agudas percibidas como más cercanas al techo.

Una pista bien equilibrada sonará rica y completa en todo el espectro de frecuencias.

Al esculpir la imagen estéreo de una pista, intenta visualizar cada instrumento en un espacio tridimensional. Un instrumento estéreo puede extenderse desde el lado izquierdo de la habitación hasta el lado derecho, mientras que un instrumento mono se ubicará en el centro.

Un instrumento de bajo se sentará más cerca del suelo, mientras que un instrumento de tono alto estará más cerca del techo.

Una pista seca sin reverberación sonará como si estuviera en la parte delantera de la sala, mientras que un instrumento de percusión con mucha reverberación se ubicará más lejos en la parte trasera de la sala.

espacio mezcla

David Gibson hace un gran trabajo al explicar este concepto en su vídeo «El arte de mezclar«, aunque las referencias de audio y visuales están un poco anticuadas. Visualizar una variedad de mezclas diferentes en géneros únicos me ayudó a comprender la relación entre cada instrumento y cómo ubicar cada uno de ellos dentro de la imagen estéreo.

Ahora que comprende los conceptos básicos de la imagen estéreo, echemos un vistazo a algunas de las herramientas que puede utilizar para marcar el ancho, la profundidad y la altura de tu pista.

Panorámica

La panorámica es tu herramienta más poderosa para esculpir la imagen estéreo. Te permite colocar instrumentos de izquierda a derecha, determinando efectivamente dónde están las paredes izquierda y derecha de tu mezcla y qué tan cerca está cada instrumento de ellas.

Tradicionalmente, las pistas de bombo, caja, bajo y voz se panoramizan directamente en el centro, ya que es el punto focal de la mezcla.

El bombo y la caja proporcionan el ritmo de la canción, por lo que es importante mantenerlos centrados. Debido a la forma en que nuestros oídos perciben el sonido, es difícil detectar de dónde provienen las frecuencias graves. Es por eso que normalmente dejamos las pistas con muchos graves panorámicos en el centro. Finalmente, la voz principal es el elemento más importante de la mezcla y debe estar al frente y al centro para mantener la atención del oyente.

Con un canal central fuerte, puedes usar los otros instrumentos en la mezcla para ayudar a esculpir tu imagen estéreo. Como norma general, es mejor mantener los instrumentos de baja frecuencia (como el bombo y el bajo) enfocados más cerca del centro, y los instrumentos de alta frecuencia (como guitarras, teclados y audífonos) movidos hacia los lados.

Una excepción a esta regla es la batería. Puede ser más fácil pensar en la batería como un instrumento estéreo, en lugar de múltiples pistas individuales. Por ejemplo, tanto el bombo como la caja están encuadrados en el centro, pero el charles y los timbales suelen orientarse hacia lados opuestos.

Si bien las perillas de panorama te permiten colocar pistas en cualquier lugar dentro del espectro estéreo, el uso de la técnica de panorama «LCR» (Left-Center-Right) proporcionará un escenario sonoro más amplio. Con la panorámica LCR, solo desplaza los instrumentos hacia los canales izquierdo, central o derecho, lo que proporciona mucho espacio entre los instrumentos y ayuda a crear una mezcla de sonido amplio.

Muchos ingenieros usan una forma modificada de panoramización LCR, con las pistas más importantes en el centro y los lados de la mezcla, y los instrumentos menos utilizados en el campo estéreo para agregar una sensación de separación. Esto puede resultar increíblemente útil cuando se trabaja con pistas especialmente concurridas.

Utiliza la perspectiva correcta

Una cosa a tener en cuenta al hacer panorámicas de instrumentos en torno a tu mezcla es qué perspectiva utilizar. En general, hay tres opciones:

La perspectiva del intérprete cambia los instrumentos según el lugar en el que se colocarían en el escenario cuando actúen en vivo desde la perspectiva del intérprete. Esto se usa más comúnmente cuando se golpea la batería para determinar dónde colocar el charles y los timbales. Con este enfoque, el charles se movería hacia la izquierda, asumiendo que el baterista está usando un kit para diestros.

panoramica

La perspectiva del público muestra los instrumentos en función de dónde se colocarían en el escenario si estuvieras viendo la actuación entre la multitud. Con este enfoque, el charles se desplazaría hacia la derecha.

Guía de panorámica y amplitud estéreo

La tercera opción es colocar los instrumentos alrededor del campo estéreo como mejor te parezca, independientemente de cómo se coloquen en el escenario.

Mezclar en MONO

Una nota más sobre el panorama: Si bien puede parecer contradictorio, es mejor decidir la ubicación del panorama mientras monitoreas tu mezcla en MONO. Una de las partes más difíciles de marcar en una imagen estéreo amplia son los problemas de equilibrio de frecuencia. La mezcla en mono te ayuda a equilibrar las frecuencias y evitar el enmascaramiento.

Obviamente, no podrás escuchar los instrumentos moverse por el campo estéreo mientras los panoramizas y monitoreas en mono, pero puedes escuchar una diferencia en la pista. La posición panorámica de cada instrumento afecta la calidad del sonido y el equilibrio de la mezcla general.

Solo recuerda, si suena bien en mono, ¡sonará genial en estéreo! Ahora que hemos cubierto los conceptos básicos para esculpir tu campo estéreo, echemos un vistazo a algunos consejos y trucos que te ayudarán a marcar mezclas más amplias y envolventes.

El efecto Haas

Una forma rápida y fácil de hacer que tus pistas suenen más amplias es duplicar una pista y desplazarla hacia la izquierda y hacia la derecha. Por supuesto, escuchar la misma señal exacta que sale de los altavoces izquierdo y derecho es esencialmente lo mismo que escuchar en mono. Pero, al aplicar un procesamiento basado en el tiempo como un retardo a una de las pistas, puede crear un efecto psicoacústico que hace que el oyente piense que son dos señales diferentes, haciendo que la pista suene significativamente más amplia. Esto se conoce como efecto Haas o efecto precedencia.

Microcambios

Para un efecto de ensanchamiento estéreo aún más pronunciado, usa un cambiador de tono para ajustar el tono de cada pista en unas pocas centésimas. La diferencia de tonalidad debería ser suficiente para captar la atención del oyente sin sonar disonante.

Otra opción es agregar un efecto de coro/chorus a ambas pistas, que combina de manera efectiva el retardo y el cambio de tono para que suene como si se estuvieran tocando varios instrumentos a la vez. Simplemente agrega suficiente coro para ayudar a crear una separación entre las pistas; si usas demasiado parecerá que tu mezcla está bajo el agua.

modificador de tono plugin chorus

Doblar pistas

Doblar una pista es cuando grabas una segunda interpretación idéntica y la colocas encima de la original, a menudo encuadrada a izquierda y derecha.

Técnicas como el efecto Haas y el micro cambio ayudan a separar la grabación duplicada de la original alterando la sincronización, pero al doblar pistas en realidad usas una segunda grabación para capturar aún más diferencias, creando más separación.

Por supuesto, deberías intentar volver a grabar la toma duplicada lo más igual posible del original. Naturalmente, capturará una sincronización, entonación y tono ligeramente diferentes, lo que ayudará a crear una separación más pronunciada entre el original. Después de todo, la pieza aún debe estar a tempo y afinada.

Si no puedes realizar una doble grabación de la pieza, existen complementos dedicados como Waves Doubler o Abbey Road Reel Artificial Double Tracking (ADT), que pueden ayudar.

doblar pitas

También es importante tener en cuenta las dimensiones de altura y profundidad al intentar aumentar tu imagen estéreo. Asegúrate de que tu mezcla esté equilibrada tanto en términos de instrumentos individuales como del espectro de frecuencias general. Usa reverberación y otros efectos basados en el tiempo para agregar una sensación de profundidad. Al hacer que tu mezcla suene más alta y más ancha, también agregarás más profundidad de manera inherente.

EJEMPLOS DE CANCIONES FAMOSAS

En esta parte del artículo encontrarás un montón de ejemplos de canciones famosas con los que poder inspirarte para configurar tus canciones y temas instrumentales.
Las infografías que vas a ver corresponden a las frecuencias fundamentales de cada instrumento. Por ejemplo, en la canción «One Kiss» de Calvin Harris y Dua Lipa, la voz de ella se corta antes de 5000 Hz. Eso no significa que si quieres replicar la mezcla de esta canción debas hacer un recorte con un filtro de paso bajo a todas las frecuencias agudas, sino que las frecuencias fundamentales de la voz de la cantante imperan entre 400 y 4500 Hz.

Espero que este tema haya quedado claro, sino házmelo saber en la caja de comentarios de aquí abajo!
Y sobretodo, si te gusta este artículo compártelo en tus redes sociales!

Sin más … EMPEZAMOS!

POP: Ed Sheeran – Shape of You

Durante los estribillos/coros, hay alrededor de 11 elementos que se reproducen simultáneamente. Veamos cómo el ingeniero ha colocado cada elemento en el espectro de frecuencias y en el campo estéreo.

Guía Panorámica Ed Sheeran Shape of You

Como en cualquier mezcla, las frecuencias de los diferentes elementos se superponen, pero todo tiene su propio espacio en la mezcla. Vamos a descomprimirlo!

El bombo y el bajo solo entran simultáneamente durante los estribillos. El bombo domina el extremo inferior y atraviesa por una frecuencia más alta que el bajo. El bajo tiene un extremo grave redondeado y armónicos suaves y se coloca sutilmente detrás del bombo en la mezcla mientras demuestra una base sólida de la clave. El bombo es corto y potente, mientras que el bajo tiene una cola más larga. Estas características que contrastan tanto entre si hacen que no compitan por el espacio y la atención, por lo que se unen bien.

En la zona media los tres elementos principales de la pista (voz, plucks ​​y percusión de guitarra) se encuentran en los medios. Ten en cuenta que los plucks (o acordes pulsados) ​​y el bucle percusivo de guitarra no compiten por las mismas frecuencias y, por lo tanto, ambos pueden mezclarse centralmente en el campo estéreo. La voz se encuentra en la parte superior de las frecuencias medias en términos de volumen.

El ingeniero de mezcla ha utilizado el espectro estéreo para ampliar las frecuencias superpuestas para que no compitan por el espacio. La guitarra rasgada, las voces de fondo y el coro se amplían para dar espacio y atención a la voz principal y los acordes pulsados.

Dale a reproducir el vídeo de YouTube y fíjate que durante el verso los instrumentos y la voz están muy MONO, en cambio durante el estribillo/coro el ingeniero de mezcla ha abierto el campo estéreo. Este contraste entre las secciones le da un impulso realmente interesante al coro.

Normalmente las pistas pop tienen un extremo superior con mucho brillo en los charles (hi-hats) y efectos como risers. En cambio «Shape of You» NO!
Por encima de 10 kHz, solo encontrarás frecuencias naturales y armónicos que le dan a la pista un ambiente cálido y orgánico.

¿Qué hizo que esta pista destacara en su día?
«Shape Of You» es un excelente ejemplo de los fundamentos bien hechos. Gran composición, gran estructura y arreglo y una mezcla buenísima.

Al escribir esta canción, originalmente no iba a ser publicada por Ed. Es más, cuando se la presentaron hubo muchas discusiones sobre como enfocarla ya que no es su estilo. Cuando trabajes con cantantes debes estar abierto a trabajar con nuevos estilos e ideas. Salir de tu molde de producción puede generar éxitos. Nunca dejes de explorar y aprender nuevas técnicas.

Y hablando de que esta canción no iba a ser para él … ¿sabes que existe la creencia de que solo hay una persona que se dedica a escribir todas las canciones de éxito en el mundo? … curiosamente eso está más cerca de la verdad de lo que te imaginas! Echa un ojo a este artículo, te encantará!

ROCK: Muse – Uprising

Tanto si creas música rock como si no, seguro que aprenderás algo nuevo de estos genios.

La infografía de ubicación estéreo muestra muchos elementos amplios, pero la mayoría de «Uprising» se mezcla muy Mono. Los componentes principales que se escuchan a lo largo de la mezcla (bajo, batería y voz) son centrales. Los elementos que entran y salen de la mezcla (coros, guitarra principal, sintetizadores) son muy amplios. Si escuchas esta mezcla en Mono, notarás que los sonidos fundamentales son casi idénticos.

Guía PanorámicA MUSE UPRISING

Los elementos más amplios (sinte 1, sinte 2 y guitarra solista) nunca se reproducen al mismo tiempo. Podría ser un problema si tocaran simultáneamente en la mezcla ya que ocupan frecuencias similares y tienen timbres súper parecidos. Esto podría causar enmascaramiento y ser confuso para el oyente.

«Uprising» fue mezclado por la leyenda de la mezcla Mark Stent. Este hombre tiene 34 nominaciones a los Grammy y de ellos, uno de los cuales lo ganó mezclando esta canción. La mezcla se realizó en el estudio privado de Muse, que tiene una consola SSL serie G como hardware central.

El bajo impulsa implacablemente la pista de principio a fin sin tomar siquiera un descanso. La mayoría de los discos que he analizado cortan intencionalmente el bajo durante el subidón o en un verso para agregar variación, por lo que me llamó la atención que fuera un enfoque único. Del mismo modo, los tambores son practicamente constantes, descansando solo 3 compases. Esta sección rítmica junto con las voces son los tres elementos principales que se escuchan a lo largo de la pista. Los otros instrumentos entran y salen esporádicamente para agregar variación sónica a las diferentes secciones.

El verso 2 tiene más instrumentación que el verso 1. Los coros 2 y 3 también son más completos que el coro 1. Esto hace que cada sección sucesiva sea más interesante que la anterior, lo que mantiene al oyente atrapado en la canción.

El estribillo/coro se mezcla más amplio que el verso. De esta forma el estribillo se siente más grande y envolvente. OJO! Esto solo se puede lograr si el verso se mezcla bastante en el centro para crear el contraste.

ELECTRÓNICA: Deadmau5 – Strobe

Cuando la gente piensa en Deadmau5, su mente salta a cálidos sintetizadores y melodías interesantes. El sintetizador cuadrado utilizado en «Strobe» que se puede escuchar ampliamente en esta mezcla es una gran representación de estas dos características. No es un sonido complicado o particularmente único, pero tiene una sensación de perfección simple. No es duro, resonante o cuadrado. Tiene un equilibrio tonal puro y llena los altavoces en una amplia gama de frecuencias.

Deadmau5 es conocido por su atención a los detalles y por escudriñar cada sonido en sus producciones para asegurarse de que encaja perfectamente. Él no superpone sonidos sin cesar para finalmente tropezar con las combinaciones perfectas. La superposición de sonidos sin fin puede hacer que una canción suene sobreproducida e inflada, lo que puede restarle valor al contenido musical, mientras que la creación de sonidos ricos con solo unos pocos canales le da a la música espacio para respirar.

Guía Panorámica Deadmau5 strobe

El arreglo se puede reducir a batería, bajo, sintetizador principal y sintetizador de onda cuadrada. La mayoría de las producciones requieren mucho más que cuatro elementos para llenar los altavoces y crear un sonido rico e interesante.

La superposición estéreo de los instrumentos funciona de manera brillante y cada elemento tiene mucho espacio para respirar. Observa cómo la melodía del sintetizador cuadrado es prácticamente lo único que sucede de manera súper amplia en la mezcla. El clic del bombo también es amplio, pero es un transitorio tan rápido que ocupa un pequeño ancho de banda de frecuencias que no compite con la melodía del sintetizador cuadrado.

No tener nada más con lo que competir con respecto a las frecuencias y el ritmo da espacio para una melodía compleja y un sonido súper rico que abarca desde los medios bajos hasta más de 10 kHz cuando el filtro está en su estado más abierto.

Los graves son ligeramente más anchos que el bombo en las bajas frecuencias, lo que evita causar problemas de fase. Luego comienza a ensancharse por encima de los 150 Hz, lo que agrega algo de calidez a los canales laterales. El bajo tiene un tono diferente a la melodía del sintetizador cuadrado y no es tan amplio, lo que minimiza el conflicto entre ambos.

En este caso sí hay un filtrado agresivo del bajo un poco antes de los 1000 hércios. Esto deja espacio en el medio del canal para el sintetizador principal que entra en el clímax de la canción. El sintetizador principal abarca una amplia gama de frecuencias y al ser instrumental no tiene que luchar por el protagonismo con la voz. El breve impacto de la caja (transitorio) no entra en conflicto de una manera que reste valor al sintetizador principal. Por encima de 10kHz se deja   abierto para el charles (hi-hat) y otros efectos.

¿Qué podemos aprender de este tema?

-La música respira mejor cuando los elemento no tienen que competir entre ellos en el mismo rango de frecuencia o posición estéreo.

-Los problemas de fase ocurren cuando los canales izquierdo y derecho tienen demasiada similitud. Si alguna vez te pasa, se puede reducir utilizando una modulación sutil o un retraso de muestra en el canal izquierdo o derecho (pero no en ambos).

HOUSE 90s: Silk City y Dua Lipa – Electricity

Tenemos aquí una canción house atípica. Dura menos de 6 minutos y el bombo solo suena en los estribillos … muy curioso 🤓
El bombo, que suele ser el elemento constante de un tema inspirado en el house de los años 90, solo se escucha en los estribillos y la segunda estrofa!

Guía Panorámica silk city y dua lipa electricity

La canción está impulsada por el piano y las voces que se escuchan en todo momento.
El piano tiene algo de ancho para dar espacio a las voces.

La guitarra, el shaker y otros elementos de fondo son extremadamente esporádicos y apenas se escuchan en la mezcla. Estos elementos adicionales ayudan a agregar novedad a la mezcla y mantienen al oyente interesado.

Esta canción cumple con la regla de oro de llegar al coro/estribillo antes de la marca del minuto 1. Si creas música comercial debes llegar al estribillo en 60 segundos, es una técnica comprobada que ayuda al público a mantenerse «conectado» mientras escucha tu pista.

Cuando escucho música, quiero tener ese momento en el que la pista se construye y llega al clímax. Para que eso suceda, las secciones tienen que contrastar. Si tanto la ‘construcción’ como el ‘clímax’ tienen propiedades técnicas muy similares, entonces no notaré mucha diferencia.

Hay varias maneras de hacer que el estribillo se note más épico. El más simple es que suene más fuerte. Otra opción es hacer que sea mucho más amplio que el verso y el subidón.

En «Electricity», apostaron por la sonoridad y un cambio de dinámica. El verso es tranquilo y dinámico, mientras que el coro es fuerte y muy comprimido.

RAP: 50 Cent – In da Club

Tenemos aquí una canción atemporal y es que basicamente es una canción de cumpleaños …
El rapero 50 Cent compuso «In da Club» con la mentalidad de que aunque el tiempo pasara continuase siendo relevante para siempre, estilo «happy birthday», y que celebraran ese cumpleaños «en un club».
No está mal el enfoque, piensa que cada fin de semana un montón de jóvenes salen de fiesta a celebrar el cumpleaños de algún amigo en un club o discoteca!

Guía de Panorámica 50 CENT IN DA CLUB

Se publicó en marzo de 2003 y a día de hoy es reconocible por todo el mundo en cuanto entra ese sinte en plan pizzicato.

En lo que respecta a la zona grave vemos algo anormal. El bajo tiene mucha amplitud estéreo por debajo de 240 Hz. Un toque de ancho estéreo en los graves puede estar bien, pero cuando comienza a deslizarse mucho hacia los lados, el audio es más susceptible a la cancelación. En pequeñas dosis, es posible que no destruya la mezcla, pero si las frecuencias bajas se vuelven demasiado anchas, tu música sonará débil en una discoteca … o club 😜

Los plucks o pizzicatos que hace el sintetizador y el staccato de las cuerdas se mezclan tan cohesivamente que casi suenan como un solo canal. Cuando estés colocando sonidos, sabrás que has clavado la mezcla cuando las capas parezcan ser una sola fuente de sonido.

Las semicorcheas (dieciseisavos o 1/16) de la guitarra ocupan muy poco rango de frecuencias. No compiten con los otros elementos instrumentales y se inserta en la mezcla de manera complementaria, agregando cuerpo y ritmo.

Las voces a ambos lados elevan la experiencia lírica. Sientes que te hablan desde todos los ángulos y es una sensación muy inmersiva.
Para hacer esto en tus propias producciones, puedes duplicar la pista de audio y panoramizar una a la izquierda y otra a la derecha en la misma cantidad. La forma más efectiva de hacer esto es grabar dos tomas de audio separadas (o si se trata de un sintetizador, puedes alterar ligeramente su sonido). Si ninguna de esas opciones es posible, puedes usar un ecualizador o un chorus para crear una diferencia entre los dos canales.

También puedes usar retardos y reverberaciones separados en cada canal para darle a cada uno su propio sentido del tiempo y el espacio.

Nota: Si simplemente duplicas el canal y no agregas efectos ni alteraciones, el audio sonará como si viniera del centro (sin amplitud).

FUNKY: Mark Ronson ft. Bruno Mars – Uptown Funk

No muchas canciones pueden presumir de 14 semanas consecutivas en el número 1 en los Estados Unidos, además de ser disco de diamante (vendiendo al menos 10 millones de copias) … y ganar dos premios Grammy!

Guía Panorámica BRUNO MARS Uptown Funk

Pínchale el «Play» del vídeo y date cuenta de que «Uptown Funk» tiene una claridad increíble pero no es demasiado brillante.

No hay mucha energía en las frecuencias altas (a partir de 10 kHz).
El Hi-Hat está en MONO y los metales se cortan alrededor de 15 kHz.

Lo mismo pasa en el área de 150 Hz a 450 Hz.

El bombo y el bajo ocupan el centro de la mezcla en este rango y las voces graves diciendo algo como «DOH» se amplía para que las frecuencias no entren en conflicto. Observa también que el bombo tiene una cantidad muy pequeña de amplitud estéreo, mientras que el bajo es completamente MONO. Esto permite un extremo bajo súper potente y claro con mucho golpe y ritmo.

El sintetizador da una sensación muy cálida y también insinúa el sonido de las influencias funk de la pista como Earth Wind & Fire, The Gap Band, Sugarhill Gang, Zapp, etc …

Hay bastantes canales entre 500 Hz y 5 kHz, pero la separación estéreo es clara. Las voces son más centrales, los metales son un poco más anchos, el gran sintetizador es un poco más ancho aún y las improvisaciones vocales adicionales son súper amplias.

El ingeniero colocó las frecuencias en conflicto para maximizar la separación, así consiguió el éxito con la ubicación estéreo.

De esta canción aprendemos dos cosas:

  • Mantener la gama baja libre para el bombo y el bajo ayuda a lograr una mezcla sólida.
  • Cuando los instrumentos luchan por las mismas frecuencias en una mezcla, usa el ancho estéreo para aumentar la separación y la claridad.

Nota: El productor usó el compresor Waves CLA-3A. ¿Qué diferencia este compresor óptico de cualquier otro?

Este en concreto agrega un sonido fuerte y una distorsión armónica (THD) analógica emulada que cambia la forma y el contenido de la señal al agregar armónicos pares e impares de las frecuencias fundamentales. Entonces, cuando comienzas a inducir la reducción de picos y la ganancia, el compresor comienza a introducir distorsión, lo que le da un carácter único al sonido. Si estás buscando más determinación, carácter y que el canal esté más centrado en tu producción, una emulación del maravilloso LA-3A podría ser un buen compresor para elegir.

POP ELECTRÓNICO: The Chainsmokers ft. Halsey – Closer

Guía Panorámica The Chainsmokers ft. Halsey Closer

The Chainsmokers tuvieron un éxito inmediato con su single debut de EDM ‘#Selfie’ lanzado en 2014. Su sonido único evolucionó del EDM a música pop electrónica más convencional y solo 2 años después lanzaron un gran éxito mundial. Closer fue el primer sencillo número uno en Billboard Hot 100 tanto para The Chainsmokers como para la cantante Halsey. Ocupó el puesto número 1 durante 12 semanas. Se llevó el disco de diamante por vender más de 10 millones de unidades en los Estados Unidos. A partir de 2019, Closer es la tercera canción más reproducida en Spotify de todos los tiempos con más de 1400 millones de reproducciones.

Para mí, lo más notable de esta mezcla son las punzadas de acordes de sintetizador con un sonido extremadamente cálido y rico. Se coloca bastante amplio en la mezcla y abarca una amplia gama de frecuencias (alrededor de 90Hz a 12kHz).

Otra característica interesante es que el bombo y el bajo ocupan muy poco espacio en el espectro de frecuencias. The Chainsmokers eligieron sonidos que son muy fuertes y contundentes, sin ocupar mucho espacio en la mezcla. Esto reduce la competencia entre los diversos elementos de la mezcla.

Durante el estribillo/coro, la atención se centra principalmente en el bombo, los stabs de acordes de sintetizador y el sinte principal. El resto son terciarios y respaldan esos tres canales principales. Esto hace que la mezcla sea muy fácil de digerir y no requiere mucho esfuerzo por parte del oyente. Ajustar con precisión solo un puñado de canales para que suenen absolutamente perfectos es una excelente manera de mantener la mezcla sonando rica y descongestionada.

HOUSE: Calvin Harris y Dua Lipa – One Kiss

calvin harris y dua lipa one kiss guía panorámica

Cuerdas, piano y metales están bien separados abriendo el espectro estéreo al oyente.
Al ser una canción house su propósito es que se reproduzca en discotecas y clubs. En este tema los primeros toques de estéreo empiezan a aparecer a partir de los 175 Hz. Las frecuencias más bajas (por debajo de 150 Hz) pueden ser problemáticas cuando se colocan de forma amplia en una mezcla. El sonido se vuelve mucho más delgado y menos rico, lo que sería un problema en las discotecas. Por muy bien que suene en estéreo, es algo muy importante a tener en cuenta si quieres que tu pista suene bien cuando se reproduzca en el sistema de sonido de un club o festival.

La infografía muestra algunas frecuencias superpuestas, como el sintetizador principal y las voces. Harris ha minimizado el conflicto entre estas partes al agregar más ancho estéreo al sintetizador principal, apartándolo del camino de la voz en MONO. Puedes escuchar que momentáneamente se vuelve unos dB más bajo cuando entra la voz. Esto ayuda a mantener la voz como el punto de enfoque.

Mi forma preferida de hacer esto es usar un compresor multibanda y atenuar las frecuencias específicas para reducir el enmascaramiento. Una forma interesante de hacer esto podría ser atenuar las frecuencias justo en el canal medio y dejar intactos los canales estéreo. A continuación hay instrucciones sobre cómo configurarlo.

RAP: Dr. Dre – Still Dre

Dr. Dre ha tenido una influencia colosal sobre el sonido y el desarrollo del Hip-Hop. Su toque impulsó las carreras de muchos nombres conocidos como Kendrick Lamar, 50 Cent, Snoop Dogg, Eminem … y la lista continúa!

‘Still Dre’ es su tema más icónico. Descubriremos su enfoque y conseguiremos inspiración e ideas para utilizar en futuras producciones.

Guía Panorámica DR DRE Still Dre

Todos los elementos principales están colocados de manera muy central. El bombo, el bajo, el violonchelo, el riff de piano, la voz y la caja se mezclan casi completamente en MONO. Las voces del coro/estribillo y el punteo del sintetizador son los únicos elementos que se mezclan a medio camino hasta la totalidad de los lados.

Hay una explicación lógica para esto. Dre comenzó su carrera musical como DJ en un club llamado Eve After Dark. Cuando comenzó a hacer música, pinchaba sus pistas en el club, veía cómo reaccionaba la gente y luego hacía ajustes en el estudio. El club reprodució el audio en MONO, por lo que sus mezclas tenían que sumarse bien a mono.

¿Qué podemos aprender de esto?

Si puedes hacer que algo suene perfecto en altavoces de mala calidad, sonarás brillante en altavoces Hi-Fi normales. Uno de los peores altavoces que existe es el Auratone … y curiosamente lo encontrarás en todos los estudios de mastering que pises en tu vida! Si usas solo uno de ellos para mezclar en MONO tendrás la receta ideal para este experimento. Es difícil evaluar tu balance en estéreo, mientras que cuando escuchas en MONO, puedes medir el verdadero valor de cómo se asienta todo en la mezcla.

Es una técnica excelente para ayudarte a conseguir buenas mezclas. Además de monitorear a través de un altavoz de rango limitado en MONO, intenta bajar el volumen para que apenas puedas escuchar el audio. Si tus elementos principales todavía se notan equilibrados y aún puedes descifrar las letras, estás en el camino correcto hacia una gran mezcla.

Conclusión

Utiliza estas técnicas mientras trabajas en tu próxima mezcla para crear un paisaje sonoro envolvente con una imagen estéreo amplia que atraiga al oyente.

Ves pasándote por la sección de MEZCLA, iré subiendo contenido semanalmente.

DIVIÉRTETE CREANDO TU PROPIA MÚSICA !!!
Felices mezclas !!!

2 comentarios en “Guía de panorámica y amplitud estéreo”

  1. Excelente explicación amigo, desde hace tiempo he estudiado la psicoacustica de géneros variados pero cometí el error de ver el Stereo circular y se me hacía difícil copiar o encontrar la forma de acomodar el Stereo sin que se me hiciese un lío. Gracias a ti estoy mejorando favorablemente. Muchas Gracias. Saludos y feliz año nuevo

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